Mabel Blanco | Art Collection

El acrílico tiene la capacidad del rápido secado, con la práctica se puede dominar y conseguir efectos parecidos al óleo, el problema es que su invención no rebasa los cien años, el acrílico es un descubrimiento mexicano que corresponde al Instituto Politécnico. Así es que su duración así como la resistencia a la luz todavía están por verse.
Por otro lado el óleo es el llamado “rey de las técnicas” su duración rebasa los quinientos años por lo que su capacidad museográfica es casi inigualable. Al final sólo tendríamos que revisar en las casas de subastas y museos para entender que siempre será mejor evaluada una obra al óleo que una al acrílico.
La decisión sin embargo, es personal.

El pincel lengua de gato o Filbert es muy versátil porque tanto nos sirve para detalles como para superficies grandes y hace contornos bien definidos y da un acabado interesante a los degradados. Reúne las ventajas del pincel plano como de el de punta redonda.

El pincel rake se usa para pintar pelajes y para hacer texturas.

Pincel mop también llamado suavizador sirve como su nombre indica para suavizar trazos realizados con otro pincel, se hace esto con la pintura fresca si no es así ni para que hacerlo.

Pincel taponador también llamado pincel tamponador y stipler; este pincel es uno redondo al que se la ha cortado el extremo para que quede plano (es al único al que se le hace esto de fabrica) se hace de pelo áspero.

Pinceleta de cerda o paletina es un pincel ancho e incluso muy ancho y por ello lo vamos a utilizar para trabajos grandes como los fondos, imprimaciones, barnices etc. Su mango suele ser corto.

Ejemplos de tipos de pincel:

• Pincel plano
• Pincel de punta redonda
• Pincel delineador
• Pincel de abanico
• Pincel angular

El pincel plano también llamado flat, chato o gussow es el pincel que tienen sus cerdas más o menos el mismo grosor que su largo y que sus cerdas son rectas en su extremo y planas. Su denominación gussow se la debe al pintor Gussow de Munich.

El pincel de punta redonda sirve para trabajos finos y de detalle; sus cerdas centrales son más largas que las periféricas y solo se puede hacer de pelo suave o de poliéster. Se le llama también pincel round.

Pincel delineador también llamado pincel liner sirve para lo que su nombre indica.

Pincel de abanico o pincel fan sirve para que el cambio de un color a otro sea más uniforme y por ello menos dramático; es por ello que se usa para follajes, el cambio de un color a otro en una flor etc. También se usa para difuminar en técnicas al pastel o carboncillo y en pintura su forma hace que podamos crear una especie e líneas difuminadas punteadas si así queremos.

Pincel angular o angular shader es muy bueno también para hacer el cambio cromático en un color a otro al igual que el de abanico pero este hace más bien líneas.

Queridas alumnas, muchas son las que me escriben y me preguntan sobre como se realiza el pelaje de un animal.

Bien, el primer paso es preparar el color seleccionado a punto tinta, y con un pincel linner triple cero, comenzamos el trabajo.

Mojamos la punta del pincel en la pintura a punto tinta, hacemos girar al pincel sobre si mismo, para que la punta se conserve finita y redonda.

Descargamos una vez, sobre un papel absorbente, y luego comenzamos en la dirección hacia donde queremos que vayan los pelos, primero apoyamos, deslizamos suavemente y levantamos en un trazo muy finito. Esta operación se repite muchas veces, algunas veces aclarando el tono del color y otras oscureciendo según el pelaje que estemos pintando.

Es un trabajo artesanal, de realizar pelo por pelo, pero el resultado, les aseguro, les hace borrar todo cansancio.

El color es sencillamente la luz del sol o blanca desintegrada.
Esto puede comprobarse dejando pasar por un orificio un rayo de sol en un recinto oscuro, haciendo que pase a través de un prisma de cristal triangular y proyectándolo en una pantalla blanca. Se observará que se descompone en una franja con los colores rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta perfectamente distinguibles. Así, se dice que un objeto es de un determinado color, verde por ejemplo, porque absorbe todas las radiaciones de color menos la verde, que es reflejada.
Todo pintor que pretenda ser colorista deberá prestar mucha atención y estudiar ampliamente las leyes cromáticas, y dominar el comportamiento del color cuando se hace uso de él para poder desarrollar todas sus facultades expresivas y estar en condiciones de presentar un variado repertorio de armonías cromáticas. Estas leyes son aplicables a todas las técnicas pictóricas en las que interviene el color.

COLORES PRIMARIOS
Son aquellos colores fundamentales que no pueden ser obtenidos por la mezcla de otros: el amarillo , el rojo y el azul . Mezclándolos de dos en dos se obtienen llos secundarios.

COLORES SECUNDARIOS
Son los obtenidos por la mezcla de dos primarios y son: el naranja (rojo + amarillo), el verde (amarillo + azul) y el violeta (rojo + azul). Mezclando un primario y un secundario se obtienen los intermedios, en cuya denominación van incluidos los colores que intervienen: amarillo-naranja, rojo-naranja, rojo-violeta, azul-violeta, azul-verde, y amarillo-verde.

COLORES TERCIARIOS
Dos secundarios mezclados dan como resultado los terciarios: amarillo terciario (verde+naranja), rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). los terciarios son los colores que más abundan en la naturaleza y los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.

COLORES CUATERNARIOS
Mezclando los terciarios entre sí se obtienen los cuaternarios: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado , amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

COLORES COMPLEMENTARIOS
Son los que están diametralmente opuestos en el círculo cromático. El complementario de un primario será un secundario, el de un secundario será un primario y el de un intermedio será otro intermedio.
Para definir los colores complementarios es muy útil lo siguiente: el complementario de un primario es la mezcla de los otros dos, el del rojo será el verde porque contiene al azul y al amarillo, el del amarillo será el violeta porque contiene al azul y al rojo, y el del azul será el naranja porque contiene al rojo y al amarillo. El complementario de un secundario será aquel color que no intervenga en la mezcla: el del naranja, formado por amarillo y rojo, será el azul; el del verde, formado por azul y amarillo, será el rojo; y el del violeta, formado por azul y rojo, será el amarillo.

El complementario de un intermedio serán aquellos dos colores que sean complementarios a los que en él intervienen: un amarillo-naranja tendrá como complementario al azul-violeta, ya que el complementario del azul es el naranja y el del amarillo es el violeta.
Cuando dos complementarios se mezclan tienden a neutralizarse y agrisarse mutuamente, llegando a producir un gris oscuro casi negro cuando se realiza en proporciones iguales.

Colores primarios
Para producir el negro, teóricamente vale la mezcla de dos complementarios cualquiera, pero la más efectiva es la producida por el verde viridian y el carmín. Esto es muy útil para producir gamas de grises o grisalla, pudiendo escoger la gama de complementarios que contenga el color deseado: Si deseamos producir una gama de grises azulados, escogeremos la mezcla de azul y su complementario el naranja, variando los valores hasta conseguir la gama adecuada.
Sin embargo, cuando los complementarios no son mezclados íntimamente sino que son aplicados en forma de pinceladas yuxtapuestas uno junto al otro, en lugar de destruirse y agrisarse se intensifican y potencian mutuamante.

MEZCLA ADITIVA Y MEZCLA SUBSTRACTIVA
Mezcla aditiva es la producida por los colores-luz, es decir, por los colores del espectro de la luz solar. Si proyectamos dos haces de luz correspondientes a dos primarios aditivos en una pantalla, por ejemplo el escarlata y el verde, el resultado es otro color más claro que los componentes: el amarillo.
Sin embargo, dado que no vamos a trabajar con haces de luz sino con colores-pigmento más o menos espesos y fluidos (óleo, acuarela, témperas, etc) , cuando éstos se mezclan, el resultado es otro color más oscuro que el más claro de los dos. Esta mezcla se denomina substractiva y es la que vamos a experimentar continuamente.

COLORES FRÍOS Y CALIENTES
Si observamos el círculo cromático, veremos que la gama de colores calientes son los que participan del amarillo y del rojo, con cualidades positivas, atrevidos, excitantes, y expansivos. Sugieren calor, el fuego, la luz solar, la sangre y poseen un carácter inquieto, vivo y estimulante.
Los colores fríos son los que participan del azul, con características negativas, intimistas, reservadas y con un carácter tranquilo y relajante. Sugieren frío, humedad, agua, luz de luna, relax.
En la naturaleza siempre encontraremos un color caliente al lado de otro frío, y si se encuentran dos frios juntos, uno será de tendencia más caliente que el otro.

DIMENSIONES DEL COLOR

EL TINTE
Es el factor diferencial de color que se especifica bajo un nombre: amarillo, verde, violeta, rojo, etc. y que lo define en relación con los otros. Por el tinte se establece el cambio que se produce en un color al derivar hacia otro: el amarillo puede derivar hacia el naranja o hacia el verde, pero seguirá siendo amarillo y mantendrá el nombre.

POTENCIA DE TINTE
Unos colores tiene más fuerza de color que otros y por eso tienden a dominar en el efecto general de la obra cuando no se los controla de manera adecuada.
Entre los de mayor potencia están: amarillo de cadmio, verdes thalo y de óxido de cromo, rojos claro, alizarina e indio, azules de prusia y thalo.
Entre los de potencia media: ocre amarillo, naranja y rojo de cadmio, verde viridian, azules ultramar, cobalto y cerúleo, sienas natural y tostada, sombra tostada y negro marfil.

LA SATURACIÓN
Es el grado de pureza o brillantez de un color y que en lenguaje corriente es descrito como potente o intenso, pálido o apagado, fuerte o débil. La saturación se refiere al cambio que experimenta el color en su paso por diversos grados hasta el gris. El nivel más bajo de saturación se obtiene mezclando dos complementarios a partes iguales.

VALOR O TONO
El tono es la cantidad de claridad u oscuridad que muestran los colores. El valor es el grado que tiene un determinado tono: el blanco es el valor más claro y el negro es el más oscuro.

TINTA Y MATIZ
Desde el punto de vista cromático, matiz es un color que ha sido oscurecido y tinta es un color que ha sido aclarado. Generalmente ésto es mal interpretado y así se denomina matiz a todo color oscurecido o aclarado: corrientemente se dice un matiz claro del rojo refiriéndose al rosa, sin embargo el término correcto sería una tinta del rojo. Un matiz del rojo podría referirse a un rojo remolacha.

El término still life proviene de Stilleven, palabra holandesa que se traduce como Naturaleza muerta.

Nace en Holanda en el siglo XVII y reflejaba el lujo en aumento de la clase media. Al principio un tema común en los cuadros de los artistas eran los objetos comunes propios de la cocina, inclusive animales de caza, sin embargo pronto fue cambiando hasta incluir un catálogo completo de artículos decorativos y prácticos con que los burgueses se rodeaban. La versión francesa del Still life es nature morte que hace énfasis en materiales orgánicos.

Las naturalezas muertas contemporáneas pueden incluir utencillos modernos de cocina, flores o pueden evocar la oficina, un hobby o insólitas composiciones de cambalache.

Para realizarlas se requiere que el motivo del cuadro permanezca inmóvil durante largas horas o días y la luz fija y controlable. Se suele utilizar fotografías como ayuda.

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.

TECNICA:

La técnica “transparente” de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo, el color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.

La acuarela nos da muchas posibilidades… la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.

SOPORTE:

El soporte más corriente para esta técnica es el papel y existe gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar:

• Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela.
• Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
• Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, un papel más pesado tien menos tendencia a ondularse, para evitar esto deberíamos tensar el papel.

Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El medio asi resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).

Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.

Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.

Suele denominarse acrílica a cualquier pintura en la que el pigmento esté integrado en una resina sintética. Los artistas emplean el término independientemente de si la resina es verdaderamente acrílica o, por ejemplo, acetato de polivinilo (PVA).

El desarrollo de la pintura acrílica como medio artístico se produjo a consecuencia de un imperativo social. En los años 20, un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957), querían pintar grandes murales para edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores, expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y experimentaron con el fresco, pero esto tampoco resultó práctico. Necesitaban una pintura que se secase rápidamente y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad, lo que necesitaban existía ya desde hacía tiempo en el campo industrial, pero nunca se había empleado como vehículo para pigmentos: las resinas plásticas. El plástico moldeado se usaba ya para los utensilios domésticos, y el plexiglás sustituía al vidrio en trenes y aviones. En forma líquida, el plástico se había empleado como agente anticorrosivo.

Así comenzó la investigación en busca de colores de aplicación artística, y esto tuvo que centrarse en el desarrollo de un medio adecuado. Con ciertas variaciones, los pigmentos eran los mismos de siempre; lo único nuevo es el uso de medios polimerizados para aglutinarlos. La palabra «polímero» se refiere a la unión de moléculas pequeñas e idénticas para formar una molécula más grande, lo cual confiere una gran resistencia a la sustancia así compuesta. Por este procedimiento se desarrollaron dos resinas sintéticas adaptadas como medio artístico: la acrílica y el acetato de polivinilo (PVA).
Las resinas acrílicas se hacen a partir de ácidos acrílicos y metacrílicos. Con las debidas adiciones, se consigue un medio soluble en agua, lo que permite diluir los pigmentos con más medio, con agua, o con una mezcla de los dos, según el acabado que se desee. Tiene especial importancia el hecho de que la pintura acrílica se seca en cuanto se evapora el agua, y una vez que esto sucede -en cuestión de minutos- ya no tiene lugar ninguna otra acción química. Esto significa que el artista puede añadir más pintura a una superficie completamente sellada; se puede repintar o aplicar veladuras con absoluta seguridad.

A finales de los 60, ya se podía comprar la otra forma de pintura resinosa sintética, el PVA. Ambos tipos son emulsiones, y se pueden diluir con agua o medios acrílicos. Los dos se secan uniformemente, sin los hundimientos que se producen en las pinturas al óleo, y por lo tanto sin cambios de color o de tono. La pintura es opaca, pero se puede diluir hasta cualquier grado de transparencia si el artista lo desea. Normalmente, ambos tipos se secan con rapidez, pero se puede usar un retardador para hacer más lento el secado.

En arte se conoce como óleo a los aceites que se usaban para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí.

El uso del óleo se conoce desde la Antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas.El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta.

Grisalla

Grisalla, técnica de pintura al óleo en la que se emplean únicamente tonos grises, neutros y hasta colores tierra. La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido, que se ha utilizado desde el periodo gótico para hacer que una pintura bidimensional parezca un relieve, escultura o arquitectura tridimensional. Se encuentran excelentes ejemplos de esta técnica en la obra de los pintores flamencos del siglo XV Jan van Eyck y Petrus Paulus Rubens, Goya y del pintor italiano Andrea Mantegna, entre otros.

Bautismo de San Francisco, Velazquez

Retablo de Gante, Jan van Eyck

La grisalla se ha usado también con éxito en la pintura al fresco y en las vidrieras, y en algunos casos sirve como referencia en el dibujo subyacente.

La razón de los tonos utilizados en esta técnica es la economía. Antiguamente, los pintores preparaban sus propios óleos y debido al alto costo de los pigmentos, las obras se pintaban utilizando los tonos neutros y posteriormente se aplicaba una veladura del color deseado. Los libros de arte revelan que los contratos firmados por los pintores, previo a la realización de una obra, especificaban detalles de cómo sería la obra, incluyendo la técnica.

Hablar con propiedad
Muchas veces escuchamos hablar de “glaseado” cuando se intenta hacer referencia a una veladura.
Pero… cuál es la forma correcta? La palabra glaseado es un invento que deriva de los tan usados glaseadores, pero carece totalmente de sentido en el mundo del arte. No obstante, hablar de veladura en un ambiente artísitico es lo correcto.
Cabe aclarar que el glaseado es un término utilizado en gastronomía y lejos está de acercarse al arte.

Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los ‘60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la “visión” del objetivo fotográfico.
Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.

En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo.

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.

Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.

Nota importante:
Esta información es para pintores profesionales que deseen elaborar sus propios materiales, no es para aprender a pintar.

El Gouache es una acuarela opaca, la aplicación del color no debe ser gruesa ni
empastada ya que podría llegar a agrietarse, a diferencia de la acuarela, esta
pintura no es transparente y tiene poder cubriente total. Suele utilizarse para pintar
con fuertes contrastes y con una primera intensión. El tipo de papel sobre el que
se pinta debe ser liso y sin textura (tipo cartulina) y de gramaje superior a 200 gr.
puede llegar a ser un papel de color distinto al blanco para crear otros efectos de color
y dimensión.

La pinturas al gouache se preparan sobre la misma base que se usa para la acuarela pero
se utiliza mayor cantidad de medio inerte como la creta o blanco de zinc para mejorar los
colores y de este modo se crea el efecto opaco característico de este medio.

Los pigmentos inertes mas importantes son:

* Hidrato de alúmina
* Asbestina
* Barita
* Blanco Fijo
* Creta
* Arcilla de porcelana
* Yeso
* Tierra de infusorios
* Carbonato de magnesio
* Polvo de marmol
* Mica
* Piedra pomez
* Silice
* Talco
* Blanco de España.

“El carbonato de Calcio, la creta, el blanco de España, el mármol y
la piedra caliza tienen la misma composición química, y solo se diferencian
en la estructura cristalina, la densidad o el grado de pureza.” (pag. 92
“Materiales y Tecnicas del Arte” Ralph Mayer Ed.Blume)

La adición del material inerte es variable y rondan por el 150 por ciento, a veces
se le agrega también blanco de zinc o de titanio a los colores mas oscuros con el
fin de revelar su valor tonal. La textura del color debe ser suave y cremosa, con las
particulas de pigmento bien disueltas y se pueden guardar en botes de rosca. Si con el
tiempo se endurecen es suficiente añadirles agua.

Preparación

* Solución de medio para la acuarela (revisa la fórmula de la acuarela)
* Pigmentos
* Medio inerte
* Agua destilada

Se muelen los pigmentos con un mortero o con una espátula grande sobre una plancha
de vidrio; mezclando el vehículo de goma para la acuarela hasta obtener una
consistencia liquida cremosa, añadiendo agua destilada si es necesario. Se le
añade el medio inerte y se mezcla dispersando muy bien los pigmentos. Si el
pigmento es repelente al agua se le añade unas gotitas de alcohol para poder
mezclarlo.

Las siguientes proporciones para mezclar los colores son relativas y no son restrictivas,
casi siempre será necesario algún tipo de ajuste después de probar
los resultados.

“Una buena pintura al gouache debe poderse aplicar con el pincel en capas lisas e
impecables, y esta es una buena prueba de calidad, aunque luego vaya a usarse con
técnicas variadas, pinceladas de grosor desigual, etc” (pag. 272
“Materiales y Técnicas del Arte” Ralph Mayer Ed.Blume).

Proporciones para mezclar algunos colores

Blanco de titanio

* 6 1/2 cucharadas pigmento
* 25 gr. de goma de acuarela

Negro de marfil

* 1 cucharada pigmento
* 2 cucharadas de creta
* 21 gr. de goma de acuarela

Bermellón

* 2 1/4 cucharada pigmento
* 2 cucharadas de creta
* 21 gr. de goma de acuarela

Amarillo cadmio

* 4 cucharada pigmento
* 3 cucharadas de creta
* 28 gr. de goma de acuarela

Azul ultramar

* 3 cucharada pigmento
* 2 cucharadas de creta
* 21 gr. de goma de acuarela

Verde viridian

* 1 1/4 cucharada pigmento
* 2 cucharadas de creta
* 28 gr. de goma de acuarela

Violeta

* 1 1/2 cucharada pigmento
* 3 cucharadas de creta
* 21 gr. de goma de acuarela

Siena Tostada

* 2 cucharada pigmento
* 3 cucharadas de creta
* 18 gr. de goma de acuarela

Fuente:
“Materiales y Tecnicas del Arte” Ralph Mayer Ed.Blume.
The Artist’s Handbook of Materials and Techniques: Fifth Edition, Revised and Updated

(Artists’ Handbook of Materials and Techniques)

Pintar un animal es un desafío grande.

El pelaje es uno de los puntos más importantes, la dirección de los pelos, el grosor de los mismos y cantidad de capas que pintemos… Todo influirá en el resultado final y harán (o no) que ese animal parezca real a los ojos del espectador.

Los ojos son el otro punto crucial por el cual debemos pasar. Son la expresión que tendrá el animal y el primer lugar a donde irán los ojos del espectador. Uno siempre mira a los ojos… si éstos están mal pintados, el trabajo final no se lucirá.

Hay que saber observar los ojos de los animales, tomarse tiempo para estudiar la forma, las líneas que tienen y cómo varían los tonos desde el extremo hacia el centro del ojo.

Si observamos estas tres fotos, veremos detalles en común.

• La forma de la pupila es alargada y se puede lograr con un pincel redondo pequeño, recordando siempre ubicar bien la pupila en el diseño.
• Una mínima línea ondeada que bordea el ojo. No es necesario pintarla si tu proyecto tiene un tamaño normal y no excesivamente grande como para reparar en esos detalles.
• El iris tiene un aspecto que no se logra con un pleno. Al observar estas fotos, notamos líneas que van muy juntas y parten de la pupila hacia el contorno del ojo.
• La luz no es una simple mancha blanca, sino que refleja el paisaje que hay delante de ese ojo.

Si querés tener el material completo de cómo pintar ojos, incluyendo los colores, pinceles y técnica paso a paso, solicitalo escribiendo a sales@ mabelblanco.com

La aldea de Zhostovo en la región de Moscú es uno de los centros respetados del arte popular ruso. Se observa en el, el laqueado de las bandejas en las cuales los ramos claros, brillantes de flores bailan en un fondo negro brillante que exhibe el cheerfulness y la belleza de la naturaleza.

En el arte de Zhostovo vive una cultura nativa hereditaria rica. El arte de Zhostovo comenzó en el diecinueveavo siglo temprano, cuando los artesanos comenzaron a hacer varios artículos de mache de papel laqueado. Abrieron su primer taller en 1825, produciendo: cajas, casos, cajas del rapé y otros artículos. El conducir ofrecido bandejas originales del troika, escenas del género, paisaje y ornamentation floral.

Los artesanos dieron vuelta más adelante a su atención a hacer las bandejas del metal. Pintaron las flores realistas del jardín y del campo en ramos y garlands. Sin embargo, la práctica de los manojos de la pintura de flores se convirtió en la más popular. La fascinación del arte de las mentiras de Zhostovo en ella es honradez y la franqueza de ella es contenido artístico. Para entender y para apreciar el arte, no necesitas ningún conocimiento especial. Los temas del rouse del artista la sensación de la belleza en cada uno que los mira. El arte de Zhostovo mezcla arte popular con la pintura floral realista.

El estilo único y hermoso de la pintura que emergió al principio de los diecinueve siglos, se ha desarrollado con éxito en nuestro propio día. Debajo de los cepillos de los artesanos expertos verdadero-a tema de la vida logra el más de alta calidad de la producción artística. Las mejores tradiciones de este arte popular popular son preservadas por los artistas modernos de Zhostovo, que manejan unir los métodos tradicionales con la improvisación y el talento individual de cada amo.

En el arte de Zhostovo no hay repeticion, cada bandeja tiene una variación única del tema de la flor en ella es composición de la vida pintoresca, inmóvil con la creatividad y los éxitos de los artistas, Zhostovo la demuestran hoy son contemporaneos. Debajo del cepillo de artesanos expertos estos utensilios domésticos son convenientes adornar cualquier hogar.

El arte del Zhostovo se puede considerar hoy en hogares y museos a través del mundo.

Una nueva serie de propuestas para tu still life. En este caso me basé en los tonos sepias, para lograr un look añejo en nuestra obra.

Flores secas, un objeto oxidado, mucha madera trabajada y un toque sutil de color. Este tipo de composición, gracias a la paleta de colores utilizada, genera calidez y elegancia. Ideal para vestir un ambiente de tu casa.